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首届So~Shenzhen！艺博会将于2026年3月22日至29日在海上世界文化艺术中心亮相，汇聚全球20余家画廊与设计工作室。依托前海保税政策，本届展会聚焦APEC成员经济体的艺术实践，参展艺术家及作品来自澳大利亚、加拿大、中国、印度尼西亚、日本、韩国、新加坡、泰国、美国、越南及其他国家和地区。
在展会开幕前夕，艺术市场通讯对话六家参展画廊——从扎根中国逾二十年的资深机构，到远道而来的东南亚及亚洲其他地区的国际面孔。他们如何看待这个“新生”平台？又为深圳带来了怎样的艺术表达？
香格纳画廊
以“大地之声”回应亚太语境
赵仁辉，《试着记住一棵树III-世界肯定会崩塌》，2017，LED灯箱，183(H)x1722x40cm (in 14 pieces)，图片致谢艺术家及香格纳画廊
作为中国当代艺术的重要见证者，香格纳画廊此次以“大地之声”为主题，将亚太地区的多元语境作为切入点，以此串联起全球视野与本土经验之间的深层对话。该主题打破“土地仅为背景”的惯常认知，将其视为一个充满生命律动和历史刻度的“发声体”：风声、雨水、岩层断裂等自然元素不仅是物理现象，更是储存历史痕迹、回应人类活动的隐喻。通过汇集来自不同地域的艺术实践，画廊将土地从静态的背景转化为一个持续共振的现场——它既是承载记忆的生态系统，也是社会力量与个体感知交织的复杂场域。
“2026年APEC峰会即将在深圳举办，为这座城市提供了一个前所未有的国际语境，也构建了一个跨文化的对话现场。”香格纳画廊认为，这种定位与以往艺博会以本土市场为核心的逻辑有所不同，“它既是深圳看向世界的窗口，也是世界进入深圳的通道。”
阿林·朗姜，《金色泪珠》，2013，单屏影像，钢架、木板，6000个铸造黄铜件340(H)x500x500cm，影像时长29’34’’，图片致谢艺术家及香格纳画廊
阿林·朗姜，《金色泪珠》（局部），图片致谢艺术家及香格纳画廊
本次香格纳带来的艺术家阵容——阿林·朗姜、阿彼察邦·韦拉斯哈古、黄晨晗、林奥劼、赖宇通、麦拉蒂·苏若道默、唐大雾、唐茂宏、赵仁辉——恰好覆盖了泰国、新加坡、印尼、中国等多个APEC成员国。画廊表示，这正是对“聚焦APEC”这一主题的主动回应：“来自不同文化土壤的艺术实践在同一主题下交汇，恰好呼应了博览会所倡导的‘本土洞察与全球探索的动态对话’。”
其中，阿林·朗姜的《金色泪珠》是展位核心作品之一：6000个铸造黄铜件铺陈于地面，以泰国传统甜品“金色泪珠”为起点，“将个人叙事与历史记忆熔铸于金属之中”。麦拉蒂·苏若道默的行为影像则以身体丈量时间与距离，探讨迁徙与栖居；赵仁辉的镜头下，自然成为与人类观念相互纠缠的主体，“探讨人类的态度如何塑造我们对自然的认知”。
麦拉蒂·苏若道默，《24,901英里》，2015 (记录年份)，单路视频，影像时长11’26’’，图片致谢艺术家及香格纳画廊
谈及前海的保税政策，香格纳表示：“前海的保税政策为艺术品流通提供了制度性保障，不仅降低了交易门槛，也简化了跨境流程。过去操作层面的复杂与不确定性，往往成为藏家决策时的隐性阻碍；政策落地后，藏家能更专注于作品本身的价值判断。”
去年12月，香格纳在平安金融中心云际观光层举办“隙语浮步”展览，将三十余位当代艺术家的作品带入城市制高点。在画廊看来，“当艺术走出传统展场、进入城市日常空间，这种辐射广度的拓展，正是深圳艺术生态日渐活跃的缩影，也是我们持续努力的方向”。
大田秀则画廊
一场跨越媒介的当代艺术对话
作为深耕亚太地区的国际画廊，大田秀则本次呈现12位艺术家的最新创作：唐狄鑫、玛丽亚·法拉、半田真规、哉昆宁、草间弥生、林荣华、竹川宣彰、陈维、尤阿达、黄汉明、樫木知子与陈国良。他们的实践涵盖布面丙烯、蜡染、水彩、航空织物丙烯及窑砖雕塑等多元形式，展现出丰富的艺术面向与实验精神。
玛丽亚·法拉，《草莓和奶油》，2025，纸本粉彩，41.9 x 29.5 cm，©玛丽亚·法拉，图片致谢大田秀则画廊（上海/新加坡/东京）
在画廊看来，深圳作为科技与设计之城，近年来“当代艺术领域的新能量正在强劲涌现”。他们期待So~Shenzhen！能够成为“连接国际画廊与艺术家，同时将深圳与更广阔的亚太区域链接起来”的文化交流平台。同时，画廊也表示：“前海的国际交流政策与保税制度对海外画廊极具吸引力，它们让艺术品的展示与流通更加顺畅。这不仅便于与现有藏家深度互动，也创造了连接新观众的机会。”
尤阿达，《更好的选择 1》，2023，布面丙烯，120 x 120 cm，©尤阿达，图片致谢大田秀则画廊（上海/新加坡/东京）
谈及深圳艺术生态的演变，画廊观察到：“近年来，深圳的观众与藏家正变得越来越成熟，对自己眼光越发自信。他们对多元媒介与观念实践的开放性日益增强，也更愿意在更广阔的文化语境中接触国际当代艺术。”面对深圳年轻、多元的藏家群体，大田秀则准备了从摄影、纸本到更成熟艺术家雕塑的多层次作品，为不同观众创造多元的收藏入口。
哉昆宁，《黑暗中植物的秘密7》，2023，蜡染、铅笔、墨水，59.3 x 43.5 cm，©哉昆宁，图片致谢大田秀则画廊（上海/新加坡/东京）
对于科技企业入局艺术，大田秀则认为，“科技公司参与文化项目是深圳的鲜明特色，除了创造新的展览空间与项目，这一趋势为科技与艺术的对话与合作打开了新的可能。它将为艺术市场引入新的动态，拓展深圳及中国各地艺术的呈现方式以及观众与艺术互动的途径。”
半田真规，《鲸》，2021，水彩、油画棒，159.2 x 76 cm，©半田真规，图片致谢大田秀则画廊（上海/新加坡/东京）
星空间
携张伟个人项目首度参与深圳本土艺博会
这是星空间首次参与深圳本土艺博会。创办人房方表示，主办方对展览品质的严格把控是他们选择参展的重要原因。此次他们带来艺术家张伟的个人项目，深度契合APEC主题——美国是APEC发起成员国，而张伟曾在纽约旅居近20年，其艺术实践与美国文化及社会语境有着深度联结。“这一独特视角以往常被忽视，我们希望借助本届艺博会，为观众打开全新的观看维度，重新解读其创作。”
张伟，《PWMC14001》，2014，亚麻布油画，320 × 490 cm，致谢艺术家与星空间
展位亮点是巨幅绘画《PWMC14001》，作品名取自“Painting with Motorcycle”的英文缩写。张伟以哈雷摩托车在画布上摩擦、碾压，完成抽象绘画创作——这是他2005年从美国回到北京后，重启抽象艺术探索的重要转折点。这幅作品以纯色亚麻布为基底，运用纯粹的红色，摆脱了其摩托车绘画早期对图像的依赖，迈向更趋本质的抽象表达。
张伟，《PWMC31》，2013，纸本油彩（《北京商报》），54 × 38 cm，致谢艺术家与星空间
房方提到，张伟的作品曾多次亮相香港M+美术馆。“作为亚洲极具影响力的当代艺术机构，M+不仅为区域艺术发展树立了专业标杆，更在大湾区的艺术传播与审美引领中发挥着重要作用。我们展出的张伟纸本绘画及装置绘画，也特别适合入门级收藏家一试身手。”
张伟，《Z-AC1767》，2017，水彩纸油画，56 × 76 cm，致谢艺术家与星空间
张伟，《ABS4》，2014，油彩，钢锹，40.6 × 22.3 × 8 cm，致谢艺术家与星空间
对于深圳艺术生态的变化，房方观察到：“从去年香港巴塞尔前‘深圳艺术周’的正式启动，到今年So~Shenzhen！的首度举办，一系列重磅艺术活动接连落地，不断印证着这座城市持续攀升的艺术热度。”谈及科技大厂入局艺术，他表示：“科技大厂纷纷入局当代艺术，并普遍启用了具备深厚专业背景的领军人物掌舵，这必将对中国当代艺术的价值梳理与体系重塑产生深远的影响。”
狮語画廊
女性艺术家的多面性
狮語画廊此次参展带来Mel Davis与Anna Nezhnaya两位70/80后女性艺术家的作品。项目总监张侹笠表示，选择这两位艺术家“正好呈现了一个有趣的对比：当代女性艺术家如何从‘被观看者’变成主动的‘表达者’”。
她详细解读了两位艺术家的创作路径：来自加拿大的Mel Davis，“她的创作像在画布上写日记——通过反复拼贴和覆盖，把记忆与情绪层层堆叠，让看不见的内心世界变成看得见的风景”，此次展出的《Double Mirror（White）》正是这一创作方式的典型呈现。而来自俄罗斯的Anna Nezhnaya，“她用霓虹灯重新演绎奥菲莉亚、美杜莎这些经典形象。古老神话被放进冷光里，多了一份赛博朋克式的挑衅感”，她的作品《Ophelia》将古典题材注入当代媒介，获得全新生命力。
安娜·内扎娜娅, 《奥菲莉亚》, 2026, ，布面漆料油画、霓虹灯管, 153 x 270cm，致谢艺术家与狮語画廊
张侹笠认为，两位艺术家的并置形成了一种深刻的对话：“一个向内探索内心，一个向外重新定义经典。两种路径，都在讨论‘女性气质’的多面性——可以温柔静谧，也可以闪亮有力。她们作为当下创作的中坚力量，以独特的叙事与多元的材料探索，敏锐回应时代议题。其作品兼具观念深度与视觉张力，相信能与深圳年轻、视野开阔的藏家产生深度共鸣，也为初入收藏的爱好者提供了充满活力的选择。”
梅尔·戴维斯《双镜（白色）》，2020，布面油画，55.9 x 71.1 cm，致谢艺术家与狮語画廊
“深圳是大湾区的重要枢纽，拥有活跃的收藏群体。”张侹笠观察到，“深圳藏家正经历从‘空间装饰’到‘精神共鸣’的深刻转变。新一代藏家更关注作品背后的观念与叙事，收藏视野日益开放，对当代艺术的接纳度与热情显著提升。藏家群体的年轻化与专业化，正推动深圳艺术生态迈向更富活力与思想性的新阶段。”
梅尔·戴维斯，《手与花1》，2025，布面油画，20.3 x 25.4 cm，致谢艺术家与狮語画廊
安娜·内扎娜亚，《白日梦》，2025，布面漆料油画，150 x 84 cm，致谢艺术家与狮語画廊
同时，科技与艺术的交融为深圳艺术生态带来了新的活力。“狮語画廊欢迎这种‘科技赋能艺术’的趋势，它推动了艺术展示、传播与体验方式的创新，为本土及国际艺术创作提供了更广阔的平台。这有助于吸引多元观众、激发跨界对话，为深圳乃至中国的艺术市场注入新动能，促进更开放、动态的艺术生态系统的形成。我们期待与各方携手，共同探索艺术未来的更多可能。”
作为首届“So Shenzhen！”的参与方之一，张侹笠表示：“我们十分期待这个全新平台带来的机遇。‘So Shenzhen！’明确的策展理念与分区规划，将商业与学术有机融合，为画廊和藏家创造了深度互动与对话的新场域。我们期待借此更紧密地连接深圳及大湾区市场，共同探索艺术与城市的未来能量。”
PICNIC
艺术讨论回到东亚主场
PICNIC于2026年在上海成立，是一家秉持“自由与开放”核心理念的项目制当代艺术画廊。画廊以灵活多元的方式与艺术家深度合作，并致力于发掘新兴创作者，在瞬息万变的市场中传递艺术的能量与温度。
此次参展首届So~Shenzhen！，PICNIC带来艺术家方巍的个人项目“序章：影的告别”，集中展出方巍最具代表性的绘画作品，以“色彩的独立性”为切入点，探讨绘画感知的边界与情绪外化的关联性。画廊创始人Piu表示，选择方巍，是因为他的作品中“有独属于东亚人文的气韵和哲学思考”。
展览围绕“影”对“形”的告别展开，实则是色彩对自由的渴望，同时是一场对自我认知的释放。“而这在高速发展中能够让人保持自省、在技术洪流中追问人性的力量。所以这次的挑选作品及展陈设计，是希望观众不只是‘看画’，而是‘感受艺术家的内心世界’。”
画廊创始人将参展视为一次寻找“同频者”的旅程。“最大的期待是能在这个平台上遇到‘同频’的人，无论是藏家、策展人，还是其他敢于尝试新模式的同行。”在Piu看来，So~Shenzhen！的定位本身就很特别，“它是更开放、活力、自由、更贴近深圳这座城市的脉搏。有别于传统艺博会注重‘展示’和‘销售’，在这里我觉得是‘对话’，它更具有开拓性和实验性。”
方巍，《人脸》，2025，布面油画，34 x 28 cm，图片致谢PICNIC
Piu还谈到，“这次选择参与So~Shenzhen！，除了平台本身的新锐气质，‘聚焦APEC成员经济体’这个定位特别打动我。因为我个人一直长期关注东亚艺术与文化发展，从日本物派到韩国单色画，从中国当代到东南亚新锐艺术，这些年我都在持续研究。”在她看来，这不仅仅是一个“政策红利”，更是一个“文化回家的信号”。“它意味着我们终于有一个平台，可以去认真讨论‘东亚艺术的共同基因’，而非永远以西方为标准。”
关于深圳藏家近年来的变化，Piu总结为两点。一是“从‘感性冲动’到‘理性审美’的转变”。几年前，很多藏家可能更看重“这位艺术家在别处卖得怎么样”。但现在，尤其是深圳的年轻藏家，他们更相信自己的判断。“他们会花时间了解艺术家的创作脉络、作品背后的观念，甚至会和你讨论‘这件作品在我的空间里会产生什么对话’。”二是“审美自信”的建立。“深圳不再只是艺术潮流的追随者，而是在定义属于自己的审美——更科技、更现代、更敢于尝试。这种‘深圳审美’，正在悄悄影响全国的艺术市场。”
方巍，《河边》，2018，布面油画，105 x 150 cm，图片致谢PICNIC
方巍，《高山流水下》，2019，布面油画，140×210 cm，图片致谢PICNIC
对于科技大厂入局艺术的新趋势，Piu表现出浓厚的兴趣。“我特别关注这个趋势，有读到有关马化腾关于融美术馆的报道，它将融入城市公共生活的文化中心。从传统的知识生产型美术馆转变为一个学习型机构，这令人很期待！”她认为，像京东、腾讯这样的大厂进入艺术领域，带来的不仅是资金，更是“科技思维”——如何让艺术更可触达、可交互、可传播。“对深圳而言，这种‘科技+艺术’的融合，可能会催生一种全新的艺术形态。同时，收藏的定义也在拓宽。未来，藏家收藏的可能不仅是一件‘艺术品’，而是一种‘体验’、一种‘感受’、一段‘可生长的关系’。”
Vin Gallery
跨文化语境的艺术实践
Vin Gallery始终关注跨文化语境中的艺术实践。上海空间经理Yvonne Xu表示，他们期待So~Shenzhen！成为“具有区域链接性的文化节点，而不仅仅是交易平台”。“相比许多以市场效率为导向的艺博会，So~Shenzhen！更强调国际交流与区域流动性。深圳本身处于多重文化与经济网络的交汇处，或许这种城市结构使其具备成为亚洲艺术实践重要连接点的潜力。”
梁宇珏，《绿汤》，2021，单通道视频，超 8mm 胶片转录高清影像，彩色，有声，4 : 3，9分21秒，5+2AP © 2021 Vin Gallery. All rights reserved.
本次展位汇集三位来自不同语境的艺术家。梁宇珏的影像作品《Green Soup》以蓝藻为叙事起点，将深层地质时间与“人类世”并置；越南艺术家Ngọc Nâu将个人历史片段输入生成系统，“使AI成为参与记忆建构的一种媒介，在经验与算法之间形成持续游移的视觉状态”；日本艺术家Yohei Yama则以“线”为单位，将绘画理解为“在时间中生成的空间结构”。
山洋平，《阿鹊》，2025，布面丙烯和墨水，120 cm x 80 cm © 2025 Vin Gallery. All rights reserved.
对于为深圳市场准备的艺术“惊喜”，Yvonne表示，“我们通常不会以‘为某个市场特别准备作品’的方式进行展品的选择，但会思考作品与城市气质之间是否能够形成自然的关联。”她认为，深圳藏家长期处在科技与创新产业的环境中，对跨媒介的艺术实践具有更高的敏感度，“这次展位在媒介结构上呈现出一种相对开放的组合——影像、绘画与观念实践并置，期望让不同的观看路径在同一空间中展开”。
作为一家从越南出发的画廊，Vin Gallery观察到：“东南亚当代艺术正在逐渐进入中国观众的视野。越来越多机构展览、画廊项目开始涉及这一地区的艺术实践。这种变化反映出中国观众的观看框架正在被重新打开——从过去集中于欧美或本土艺术史，逐渐拓展到更广泛的亚洲文化语境。”
玉瑙，《西方最佳》，2025，有机玻璃、木框、LED，130cm x 55cm x 2.5cm © 2025 Vin Gallery. All rights reserved.
对于科技赋能艺术，Yvonne认为技术正从工具层面进入方法论层面：“随着科技机构进入艺术领域，艺术的生产、传播与收藏结构都可能发生变化。对于深圳而言，这种跨界互动可能孕育新的文化生产模式。”谈及前海的保税政策，她表示：“更清晰的跨境流通机制，使艺术作品在区域之间的移动变得更加顺畅，也为国际画廊与藏家之间建立长期关系提供了制度基础。”
出品人： 董瑞、吴双
采访、撰文、 版式设计： Tina
审校：王欣然
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